Escultor: «Mi objetivo ha sido capturar en arcilla la belleza y la emoción de la tauromaquia»
Este escultor estadounidense nació y creció en el estado de Utah, al pie de las Montañas Rocosas. Recuerda una infancia feliz, muy vinculada a la naturaleza. Como artista, está obsesionado con capturar en arcilla la ilusión del movimiento bello, llevándolo a esculpir motivos taurinos. Ha descubierto que solo se logra de forma convincente trabajando directamente del natural, incluso cuando la figura está en movimiento. Lo contrario sería depender casi exclusivamente de fotografías.
Se define como una persona extremadamente introvertida. Con los años busca cada vez más los lugares silenciosos y afirma que se siente cómodo en el campo, en entornos rurales. Cuando no trabaja, es feliz simplemente estando con su familia o solo.
Háblenos de su trayectoria. ¿Cómo descubrió su pasión por la escultura y cuándo decidió dedicarse profesionalmente a ella?
El arte siempre fue una pasión, pero nunca lo consideré una carrera. Tras aceptar que era malo en matemáticas decidí estudiar arte, enfocándome en el diseño publicitario. Me fue muy bien mientras cursaba el BFA en la Universidad Estatal de Utah. Al graduarme, estaba a punto de abrir mi propia agencia cuando conocí al gran escultor Grant Speed, que vivía cerca y asistía a la misma iglesia. Se convirtió en mentor y amigo entrañable. A partir de ahí, mi rumbo cambió para siempre. Más adelante, el escultor británico Jonathan Kenworthy también fue una influencia decisiva, además de mentor y amigo.
¿En qué etapa de su carrera artística se encuentra actualmente?
A lo largo de casi cuarenta años de carrera, además de escultura figurativa he creado numerosas obras abstractas que nunca se han mostrado al público. En diciembre expuse en Miami durante el Art Basel junto a mi hija Sydnie Peebles y su firma, Sydnie Banks. Ella es reconocida en la industria de la moda como creadora de bolsos de altísima calidad, completamente cosidos a mano y realizados en banco. Puede que sea un padre orgulloso, pero la industria también lo reconoce. Ella mostró sus bolsos y yo muchas de estas obras abstractas.
¿Cómo es su proceso creativo, desde la idea inicial hasta la obra terminada?
La fase de investigación es la más larga. Si no comprendo íntimamente el tema, no tengo derecho a esculpirlo. Durante la pandemia estudié intensamente el toro bravo español y todo lo relacionado con él. Trabajaba entre catorce y dieciocho horas diarias y agoté dos impresoras. Cuando empiezo a esculpir, el proceso es rápido. Realizo un pequeño estudio o “boceto” con alambre, papel de aluminio y cinta americana: primero la estructura ósea, luego los volúmenes musculares y finalmente la arcilla.
Muchas veces trabajo in situ: eventos deportivos, cuadras, plazas de toros o dehesas. He diseñado un sistema sencillo que me permite trabajar incluso en lugares remotos como la Patagonia. Lo más difícil de encontrar siempre es una buena arcilla.
¿De dónde surge la inspiración para crear sus esculturas?
Las ideas nacen de vivir. De forma casi subconsciente observo constantemente el mundo. Puede ser cazando aves, en un ballet, viendo un partido de tenis o mirando la nuca de alguien en la iglesia. Las ideas nunca han sido el problema; el tiempo para ejecutarlas, siempre.
¿Cómo llegó la tauromaquia a la vida de un artista norteamericano como usted?
Mi interés por los caballos y el ganado comenzó en la infancia. Uno de mis primeros recuerdos es sentarme en el regazo de mi bisabuela Jenny mientras recortaba con tijeras la silueta perfecta de un caballo en cartón, sin patrón alguno y casi ciega a los 94 años. Mi abuelo paterno fue ganadero durante cuatro generaciones e introdujo el Black Angus en el sur de Utah. Tras su muerte, el ganado se vendió y hoy conservamos cinco acres del rancho familiar. Nuestro hierro es la “H voladora”, que uso para firmar mis bronces.
Mi padre dejó el rancho para ser profesor universitario, pero nos llevaba a rodeos y veranos en el campo. Allí pasaba horas con los toros en los corrales. Curiosamente, en casa había un cuadro de un torero con un toro que me marcó profundamente. Más tarde supe que lo había pintado mi padre en su juventud. Ojalá pudiera preguntarle hoy por qué eligió ese tema.
¿En qué momento la tauromaquia se convierte en fuente de inspiración para su obra?
Hace años compré en una librería de segunda mano The Sherry Royalty, que incluía la historia de la familia Domecq como ganaderos. Una fotografía del joven rejoneador Álvaro me impactó profundamente. Justo antes de la pandemia reencontré ese libro y me obsesioné con el toro español. La investigación me llevó a Francisco Ipiña y, a través de él, a Rafa Peralta, hijo del maestro Rafael Peralta. Uno de los mayores honores de mi carrera fue esculpir un busto a tamaño real del maestro en su cocina, en el El Rocío.
Cuéntenos sobre su última exposición en Sevilla el pasado 2025, durante la Feria de San Miguel.
La exposición en el Hotel Colón fue un gesto de reconocimiento. No hay críticos más duros que quienes viven y trabajan en este mundo. Engañarlos es imposible. Con mi limitado dominio del idioma y siendo norteamericano, me sorprendió encontrar aficionados dispuestos a darme una oportunidad. Creo que percibieron honestidad y sinceridad en mi trabajo. Durante mi estancia en Sevilla he visitado ganaderías como Miura, La Quinta, Murube, Juan Pedro Domecq u Osborne. Cada una ha aportado algo al proyecto. Mi objetivo ha sido capturar en arcilla la belleza y la emoción de la tauromaquia. Si lo he logrado aunque sea mínimamente, considero el proyecto un éxito.
¿Cómo se percibe la tauromaquia en Estados Unidos?
En general, no se entiende, especialmente entre los jóvenes. En tiempos de Hemingway había más interés. Hoy incluso la caza y la pesca son temas controvertidos. Quienes viven cerca de la tierra, con animales y tradición rural, suelen ser más abiertos a comprender lo que hago en España. Otros piensan que he perdido el rumbo. No es nuevo para mí. Nunca he seguido modas; siempre he escuchado otro compás.
¿Qué acogida han tenido sus obras inspiradas en la tauromaquia en Estados Unidos y en España?
En España, la recepción ha sido muy positiva. Muchos me han visto trabajar en directo en plazas de Sevilla o Madrid y saben que no hay trucos: simplemente esculpo lo que veo. El mercado estadounidense aún no ha visto este trabajo. Estoy preparado para lo que venga.
Desde su experiencia, ¿qué diferencias encuentra entre España y Estados Unidos en el mundo del arte?
El arte figurativo ha perdido fuerza entre las nuevas generaciones, tanto en Estados Unidos como en España. Mis hijos prefieren estilos más modernos o minimalistas. El bronce figurativo ha sufrido un declive, pero está bien: lo bueno siempre acaba emergiendo.
¿Con qué sueña Kreg Harrison?
Mi sueño artístico es hacer una sola obra verdaderamente buena. Llevo casi cuarenta años intentándolo. Soy mi crítico más duro. Quizá sea una maldición, pero también una motivación. La satisfacción conduce al estancamiento.
En lo personal, sueño con ver a mi familia crecer, vivir bien y aportar algo positivo a la sociedad. Si soy honesto, ya estoy viviendo el sueño. Desde que dejé el mundo corporativo hace cuarenta años, cada día ha sido sábado.
